Arte Poética

...Beijos...

2010-04-10T12:18:00.002+01:00

Beijo:

ardente;
entrega;
sôfrego;
devaneio;
carinho;
fugido;
escondido!

Eis os sentimentos que se despoletaram na minha mente quando olhei os beijos dos diferentes artistas.

Tantos são os "sentidos" do beijo

O beijo, ora quente de entrega total, ora frio, desprovido de amor sem sentido, mas ainda assim dado, roubado, arrancado...

Ou ainda como refere Paul Verlaine nos seus versos em Il Bacio

"O Beijo! malva-rosa em jardim de carícias!
Vivo acompanhamento no piano dos dentes
Dos refrãos que Amor canta nas almas ardentes
Com a sua voz de arcanjo em lânguidas delícias!

Divino e gracioso Beijo, tão sonoro!
Volúpia singular, álcool inenarrável!
O homem, debruçado na taça adorável,
Deleita-se em venturas que nunca se esgotam.
(...)"

O beijo:

devia ser sagrado aos que amam
aos que confiam
aos que adoram
e
renegado
aos que farsam!

Beijo:
gesto intemporal de romance e paixão

2010-04-10T12:18:00.000+01:00

O Beijo em vários artistas

2010-03-09T16:18:00.010Z

* Escultura em mármore

O Grito - Edvard Munch

2010-03-08T15:25:00.000Z

A dor que devora a alma solta-se do peito, irrompe na garganta faminta de ódio, solta-se, aguda, na voz do desespero!

A angústia e o medo, o terror talvez apenas de ser. A aflição que, maldita, sai mas fica sempre… negra, terrível, medonha!

Agonia, sofrimento, tudo num grito único, estridente, feroz… um grito de quem, despedaçado, nada mais pode ser que uma única e solitária mancha de dor.

E até o céu esmaga a alma em tons de desespero, tempestade impiedosa da revolta…

Manchas de tumulto, de atrozes sofrimentos, de vontades indómitas e reprimidas e todo um mundo que não serve, não apazigua esta revolta, não ilumina este ser atormentado, negro, horrível, disforme.

Um corpo e uma alma feitos em pedaços, apelando talvez a Infernos profundos porque de Deuses não pode vir bonança quando o desespero venceu…

Talvez lá longe, muito atrás de mim haja uma espécie de paz! Ou de morte, tanto faz! Talvez lá longe, muito longe, pudesse eu calar este grito e aplacar este tormento. Mas mais alto, mais forte, mais poderoso é o medo. Eu sou o terror de mim, o carrasco que lento e em risos sádicos aperta os grilhões do desespero. Não durmo, não sou, não falo, não vivo… grito! Desespero! Solto ao vento este grito de terror, este apelo último à fúria que resta!

E a vida… a vida é uma ponte insegura, trémula e frágil… uma ponte onde vagueiam seres indefinidos, ausentes, esses, os outros, o Inferno de Sartre, as sombras de Platão, as almas de Dante… os outros, esses seres errantes, malditos… fujam de mim, malditos!

Céus de dor e maldição, caiam sobre mim e devorem esta dor! Rios de lágrimas revoltas em tempestades de negrume, arrasem este desespero, mergulhem-me na paz dos Infernos, destruam estes, os outros, que vagueiam como ciprestes!

O Grito - Edvdar Munch

2010-03-04T21:05:00.003Z

O Grito

Edvdar Munch

"Mona Lisa com café"

2010-02-27T13:36:00.005Z

Arte e café. Eis um belo tema. Se adicionado tivermos "Mona Lisa" melhor ainda :)

"Mona Lisa", a mais famosa e conhecida obra de Leonardo Da Vinci. Quem não a conhece?

Uma obra famosa por inúmeros aspectos, quer pelas questões levantadas (o que representa? Se o sexo feminino, se o masculino, se Leonardo realizou um auto-retrato) quer pelo seu valor e pelas reproduções feitas que são inúmeras e por vezes adaptadas...

Sendo as reproduções fiéis ou sofrendo alterações, o facto é que continuam a ser inspiradas na "Mona Lisa" de Leonardo Da Vinci, algumas até são bastante originais, como esta que colocou o Zeus. "Mona Lisa" com café.

Não deve ter sido tarefa fácil, pelo que, foi neste quadro que Leonardo Da Vinci desenvolveu e aperfeiçoou a técnica Sfumato, que se traduz "em gerar gradientes perfeitos de luz e sombra de um desenho ou de uma pintura"* Daí que as 3604 chávenas de café de diferentes tonalidades e quantidades na elaboração do referido quadro, devem ter constituído um enorme desafio para os seus autores.

Os autores do evento, estão sem dúvida, de parabéns!

*Fonte Wikipéida

Mona Lisa com café

2010-02-24T20:24:00.000Z

A Origem do Mundo - Gustave Coubert

2010-02-22T19:35:00.001Z

Ao contrário do que é habitual vejo-me completamente impotente para analisar em pormenor este quadro. Impotente; é mesmo esse o termo!

Avaliar a dimensão estética desta imagem parece-me mais difícil do que fazê-lo em relação ao mais obscuro dos quadros abstractos. Até que ponto há beleza nesta imagem?

Como apreciador amador e desinteressado devo dizer que não encontro aqui grandes motivos para ficar extasiado. Porquê? Incapacidade minha? Talvez, mas há qualquer coisa aqui que me repugna. Profundamente. Será a exposição da intimidade? Ou será simplesmente um determinado pormenor que me desagrada pessoalmente? Inclino-me mais para a segunda hipótese. Há nesta figura feminina algo que ainda me soa a profundamente animalesco. Talvez esse pormenor ecoe no meu inconsciente como o elo de ligação ao primata ancestral do qual descendemos. Talvez até fosse essa a intenção de Coubert: o mundo humano tem origem no mundo animal, no irracional.

No entanto caio na realidade ao verificar que esta obra de arte foi pintada em 1866. E que concluo eu disto? Que o pormenor que mais me perturbou (a imensa “pelagem” que a dama exibe) era absolutamente vulgar na época, quando a depilação ainda era praticamente impensada. Era assim, de facto, sem tirar nem pôr que se apresentava a intimidade das nossas antepassadas. Por mim, lamento, mas gostos não se discutem. Se eles gostavam, era lá com eles…

Daqui se depreende que vai “por água abaixo” a interpretação que fiz acima. Mas já que está escrita, assim fica, até porque o estimado leitor pode encontrar aí um exemplo de como a análise de uma obra pode ser precipitada e disparatada.

Recomeçando: o que pretendia, afinal, Coubert com este quadro? Talvez impressionar os amigos e fornecer-lhes uma estampa do que seria uma bela mulher nua e exposta na sua mais radical intimidade? É bem possível; afinal a arte serve também para satisfazer impulsos estéticos e, neste caso, impulsos de outra ordem. Não tenho dúvidas que em meados do século XIX esta imagem seria equivalente ao que hoje vemos (quer dizer, vêem algumas pessoas. Ou melhor, oiço dizer que vêem…) em determinados sites da internet…

Talvez haja outra hipótese; talvez esta imagem não fosse só destinada a satisfazer as necessidades eróticas de alguém mas também a impressionar quem vê. Talvez fosse um grito anti-moralista; em França viviam-se os sucessos literários de Baudelaire e Flaubert, dois símbolos da liberdade artística (literária neste caso). Assim, a obra de Coubert seria uma forma de chamar a atenção para moralismos hipócritas que ainda sobreviviam na sociedade francesa.

Ou talvez, simplesmente, este quadro tivesse sido pintado porque alguém achava que ficava bem na parede lá de casa… é uma ideia… ou não?

Até que ponto o estimado leitor aceitaria colocar esta obra na sua sala?

A Origem do Mundo - Gustave Coubert

2010-02-20T21:33:00.004Z

A Origem do Mundo

Gustave Coubert

Museu de Orsay - Paris

La Promenade - Auguste Renoir (1841-1919)

2010-02-20T11:47:00.007Z

Um passeio pelo campo,
um querer e não querer ir
um saber que me vou perder em ti.
Porém o desejo é mais forte por entre os verdes
verdes de esperança,
esperança, feliz e ingénua
brancura sã.
A segurança da tua mão, da tua voz, das tuas promessas, do teu sorriso.
Será que quero ir?
A duvida impera em mim,
a certeza em ti.
O desejo, o risco de estar.
Vou!
Deixo-me ir
Sei que me levas
para longe de mim, para perto de ti.
Em ti completo-me, sinto-me feliz,
sentimo-nos felizes...

La Promenade - Auguste Renoir

2010-01-28T00:18:00.001Z

Doze Girassóis - Van Gogh

2010-01-23T18:50:00.000Z

Doze girassóis, doze vidas cortadas, alegria aprisionada na jarra da vida.

Doze vidas que se extinguem, lentamente, inexoravelmente.

Os amarelos de Van Gogh, daltonismo para alguns, alegria para a minha alma, esvaem-se neste quadro, empalidecidos, tristes, aprisionados.

Distantes do campo onde cresceram, adquirem a tristeza da liberdade perdida, voltam-se para o chão da vida, obedecem passivos às leis da jarra, as leis dos homens.

Assim é a arte, assim é a vida.

Ainda assim, há os que resistem; os que recusam a palidez e assumem, altivos a pose do vencedor.

No entanto, tudo é efémero e a morte triunfará; em breve serão pó.

O amarelo dará lugar à cinza.

Mas o mundo persistirá; com novos girassóis e novas prisões; novos amarelos dos campos de Van Gogh. Por mais que o mundo os agarre, os oprima e os vença, os girassóis resistirão.

Como dizia Pablo Neruda, “a primavera é inexorável!”.

Girassóis - Van Gogh

2010-01-20T23:01:00.002Z

Doze girassóis numa jarra

Agosto de 1888

óleo em tela 91x72 cm

Vincent Van Gogh

O Rapto de Dejanira

2010-01-20T11:49:00.004Z

...reza a história que...
.

Dejanira, a terceira esposa de Hercules, havia sido prometida ao deus do rio Aqueloso, no entanto, Hercules derrotou-o e assim ficou com a sua amada.

Ao tentar deixar Calidon, Hercules e Dejanira não conseguem atravessar o rio que se encontra em fúria.

Assim, Nesso centauro, oferece-se para ajudar a bela mulher a ir para a outra margem. Contudo, leva-a, mas não volta para ajudar Hercules, tenta fugir com Dejanira.

Hercules, furioso, luta com Nesso ferindo-o.

Por sua vez, Nesso no leito da morte, oferece à esposa de Hercules a sua veste ensanguentada dizendo tratar-se de um talismã capaz de trazer de volta os maridos infiéis. Assim, quando Dejanira desconfia da fidelidade de Hércules, dá-lhe o robe de Nesso para que este o vista, originando deste modo a sua morte terrena.

Os trabalhos de Hercules asseguraram-lhe a imortalidade no Olimpo, assim assumiu o seu lugar junto aos Deuses imortais.

...o que me transmite o quadro...

Nesso,

fuga

liberdade

luta, luta por algo que se quer muito

luta sem medo

risco

risco de vida

risco incessante

não conhece o medo

nem o aprisionamento e o conformismo

apenas a esperança da felicidade, a coragem!

Dejanira,

Tormento

aflição

aprisionameto

medo

terror

O Rapto de Dejanira - Guido Reni

2010-01-01T16:22:00.001Z

A Criação de Adão e o Tecto da Capela Sistina - Miguel Ângelo

2009-12-30T21:20:00.013Z

Nota Prévia – Por diversos motivos, abster-me-ei de fazer qualquer interpretação formal, tanto histórica como artística. Limitar-me-ei a expor as impressões, sensações e emoções que esta soberba obra de arte me provoca. O que escreverei nada tem de “verdade” ou de “cientificidade”. Apenas o que vejo e sinto…

1- Em relação à imagem publicada pela Antlia:

Duas mãos que se aproximam, suave e lentamente; ser criador e ser criado, Deus e Adão, Homem e Deus, uma junção desigual, dois seres inigualáveis, juntos numa aproximação ao mundo dos sentidos.

Um dedo indicador prestes a tocar o outro; o momento sublime de dois corpos que antecipam a magia do toque; vontades suaves de transcendência; a ânsia do toque físico que completará a unidade já formada pelo Espírito. O humano completará o divino que sempre existiu, no domínio intemporal do sagrado.

O amor completado pelo toque; o sagrado e o mundano unidos pelo acto da criação; a perpetuação da vida através do toque.

Dois seres, duas dimensões… um ponto de contacto… o toque que se adivinha e não precisa existir… a unidade estabelecida… a ordem do cosmos em duas mãos que se unem.

2- Afastemos agora um pouco o olhar:

O velho de barbas brancas com o qual Miguel Ângelo inaugurou a nossa imagem de Deus; o homem, o pintor, o assalariado, criou o Deus que a humanidade venera; o criador criado pelo operário. Adão, o antepassado do homem, ao mesmo tempo criado e criador. Despido, ingénuo, ele é o verdadeiro todo-poderoso, o centro do Universo.

Adão é a imagem serena de um homem submisso; no entanto, o seu peito está cheio de força; o seu poder, criador e destruidor, sobrepor-se-á ao velho de barbas brancas.

Por trás do homem das barbas brancas há outros seres; olhar inquieto e formas indefinidas: o medo de não ser, de não existir; em breve serão humanos e tomarão a serenidade do rosto de Adão. A serenidade de existir, o corpo completo, a dimensão física que os levará ao paraíso da vida; dos sonhos e sofrimentos; do mundo sagrado do humano.

3- Um pouco mais ao longe…

Adão e Deus (sagrado e profano na unicidade do humano) rodeados de vida.

Acima da criação de Adão, a criação de Eva e a Expulsão do Paraíso. Imediatamente abaixo, Deus separa a terra da água e, logo a seguir, a criação do Sol, da Lua e dos Planetas.

O homem, centro do cosmos, vê-se rodeado do profano que o criador lhe ofereceu. O mundo já não é o paraíso celestial; é carne, é vida, é concreto, material.

O homem, ser criado, deixará em breve de ser submisso; agora, tudo lhe pertence. A sua força transformará a criação.

De ambos os lados, os profetas, homens também eles, testemunham a partilha de poder e a afirmação do mundo nas mãos do ser humano.

4- E a obra do mestre completa-se:

(clique para ampliar)

À medida que nos afastamos do centro, a imagem de Deus altera-se; o tom é de ira – o dilúvio. A ira de Deus manifesta-se poderosa e vingativa. Os homens já não são os seres ingénuos e belos da imagem de Adão.

Na mente do Mestre, estava a vontade de gritar contra a esses homens que destruíram a beleza. Um dia, o papa sugeriu a Miguel Angelo que ornamentasse a pintura com cores vivas e tons dourados. O Mestre respondeu que os patriarcas e profetas não foram homens ricos mas sim homens santos que desprezavam a riqueza.

Mais tarde, num painel lateral da Capela Sistina, Miguel Ângelo pintou o Juízo Final: a última palavra seria, afinal, de Deus. O Homem, ser belo e radioso, entregar-se-ia à fúria divina, devido à sua soberba, porque não soube viver a simplicidade do toque sagrado que lhe deu origem.

Talvez o homem devesse regressar à simplicidade, à beleza de um toque, ao amor sagrado e profano que esteve nas origens e deveria estar no seu destino; um simples toque… a alma e o corpo em dois dedos que se unem, sem tempo,

sem pecado… com amor…

A Criação de Adão

2009-12-30T14:58:00.004Z

A Criação de Adão - Michelangelo Buonarroti

Ainda Kandinsky - Amarelo, Verde e Azul

2009-12-28T21:25:00.004Z

As cores têm este dom de nos despertar emoções e, ao mesmo tempo de as espelhar.

Uma mancha amarela; vigor, força, alegria, festa, vontade de viver. O querer no centro do ser; a vida em todo o seu esplendor.

Este amarelo desperta-me os sentidos, faz-me viver; é a cor do mundo, quase diria a cor de ser feliz.

Mas para lá desta alegria, desta energia que emana das vontades há um verde subjugado; derrotado, expulso. Talvez a paz perdida ou a tristeza renegada. A vida vence, a tristeza esvai-se.

Ao longe, como que projectado no espaço, o azul do céu; o desejo do infinito pairando muito acima da vida; talvez a alegria de ser e de viver só faça algum sentido se não perdermos de vista um infinito, bem visível e real ainda que distante.

A pintura de Kandinsky tem o imenso mérito de nos deixar sonhar; este quadro, o meu preferido do grande mestre russo, é fonte de energia; a a vida no centro do ser; é a derrota definitiva da tristeza.

"O renascimento da ordem"... :)

Amarelo, Verde e Azul - Kandinsky

2009-12-27T12:29:00.008Z

Kandinsky (1866-1944) pintor russo, pioneiro Ocidental da pintura abstracta.

Nas suas obras, a alusão às formas geométricas é quase permanente, no entanto a contrastar com a rigidez destas, há também a mistura das formas moldavéis e flexíveis. O apelo à cor é uma constante na sua arte.

Influenciado pelas óperas de Richard Wagner, Kandinsky disse:"as cores são a chave, os olhos o machado, a alma é o piano com as cordas".

(...reflexão...)

Amarelo, Verde e Azul...

mergulho na confusão, nesta abstracção de cores e formas

parece que me afogo, que morro que me deixo ir...

mas há algo que me prende, que me segura, que me puxa para a vida...

olho em volta, vejo de outra forma as formas que me rodeiam e que desfilam sem parar...

que significado?

são luz, são vida, são o renascimento da ordem, do sentido, da "claridade"...

Vassili Kandinsky – Amarelo, verde e azul

2009-12-09T20:04:00.001Z

A. Rodin - O Pensador

2009-12-09T20:02:00.000Z

O Pensador é a principal obra do escultor francês Auguste Rodin. A obra original, em bronze, foi criada em tamanho reduzido em 1880, mas em 1904 Rodin decidiu ampliá-la para 1,80 m. A intenção inicial era representar Dante em frente dos portões do Inferno. Posteriormente, Rodin autorizou a produção de vinte réplicas da escultura.

O rigor técnico e a monumentalidade da obra são notáveis. Tecnicamente exprime a admiração que Rodin nutria por Miguel Ângelo. O próprio nu é entendido como um elemento de influência daquele génio do Renascimento.

Numa breve reflexão sobre o significado desta obra, é impossível escapar à pergunta: em que pensa o pensador? Aquela imagem de meditação profunda, aquela atitude de introspecção meditativa não apela, a meu ver, para o simples acto de raciocínio.

Talvez ele pense na natureza dos próprios pensamentos. Porque pensar é também um acto que advém da alma e não apenas da inteligência. Na verdade, pensar é muito mais que raciocinar. O cérebro pode escravizar e alienar o ser humano, tanto quanto a sua dimensão física.

Aquele que pensa eleva-se a um patamar muito acima do mundo físico e mesmo intelectual.

O pensador de Rodin está no extremo oposto ao homem físico, ao homem-músculo, primitivo e banal que vive no mundo vegetal da força bruta. No entanto, o Pensador eleva-se, ainda, acima do homem que pondera e calcula. Ele entrou no domínio da alma, o maior dos universos. Para lá do físico, para lá do cérebro está a alma, o espírito, a dimensão maior do Humano. O pensador de Rodin pensa e sente; talvez chore e ria; talvez o faça apenas dirigindo-se ao seu próprio interior. Porque a nudez do corpo nada diz sobre a imensidão do seu íntimo. A nudez exprime a dimensão estética; a reflexão explora toda a dimensão da alma.

Talvez hoje, mais de um século passado sobre a obra de Rodin, seja necessário pensar um pouco mais na inutilidade da dimensão física e na escravidão do raciocínio. Talvez o convite deste pensador seja o retorno ao universo imenso e encantador da alma; onde a poesia e a arte preenchem a espírito; onde o sentido da vida se resume ao verdadeiro sentir, ao mundo encantado mas profundamente humano das emoções e dos sentimentos; ao universo infinito onde se encontra a alegria, o amor e a felicidade.

"O Pensador"

2009-12-09T15:56:00.001Z

O Pensador

Augusto Rodin

(1ª versão da escultura 1880)

Salvador Dali III - O Tempo (concluindo)

2009-12-07T23:58:00.000Z

No fundo, o quadro é uma reflexão sobre a obsessão humana com a passagem do tempo e com a persistência da memória; os relógios deformados talvez nos queiram dizer que o tempo é o que nós fizermos dele. A entrada no século XX a que Dali assistiu foi uma época marcada pela inovação tecnológica, mas também por novas formas de diversão, novos meios de comunicação. Tudo isto conduziu o ser humano a um desejo cada vez mais premente de ocupar o tempo, vivendo com intensidade. Digamos que também na vida, não só na ciência, o tempo tornara-se relativo, maleável mas, ao mesmo tempo, um bem precioso que urgia usar com a máxima rentabilidade. Acentua-se assim a obsessão pelo tempo, pela necessidade de viver e, pior que tudo, acentua-se a angustia perante o tempo que foge, a vida que passa demasiado depressa. Dominar o tempo, controlar a sua impiedosa tirania torna-se uma quimera para o impotente ser humano.

A vida humana transformara-se num verdadeiro furacão, uma tempestade permanente que ocasionava cada vez mais desespero perante a impiedade do tempo. A modernidade passara a ser controlada pelo relógio: as tarefas quotidianas, o trabalho, o lazer, tudo é controlado e o homem vai acentuando a sua escravidão ao tempo. Os especialistas na matéria, os media, criaram a ideia de “optimização do tempo”. No entanto, esta ideia não obedece a qualquer atitude positiva perante o tempo mas apenas à tentativa de o usar da forma mais intensa possível. O tempo em si permanece incontrolável.

Mas, o que evoca realmente Salvador Dali quando nos apresenta o tempo desta forma? Talvez nos aponte a necessidade de relativizar o presente e evocar a memória: o passado, os tempos assassinados pelo presente, pela fúria da modernidade. Talvez esse tempo que já não existe seja o refúgio onde se encontra a paz: as memórias de infância, os sonhos que nos fizeram viver, as utopias que perseguíamos… talvez esta espécie de saudosismo seja um refugio da alma na sua tentativa de fuga ao presente…

O tempo é, no fundo, realidade subjectiva. Moldável, adaptável. Impiedoso, triunfa sobre a vida humana, mas o sonho é o caminho para o vencer. No entanto, por mais elaboradas que sejam as interpretações deste quadro, nada nos pode afastar deste confronto entre o real e o tempo, dando origem a um aspecto geral de decadência, uma espécie de paisagem de final de batalha. Tudo indica que não há vencedores na guerra entre a vida e o tempo.

Salvador Dali II - O TEMPO (reflexão)

2009-12-07T23:51:00.000Z

O grande tema do quadro é o tempo, representado por relógios flácidos, indicando horas e minutos que são humanos e por isso moldáveis: os relógios marcam horas diferentes.

Ao fundo, uma paisagem sombria e infinita dominada por uma zona de luz, talvez uma praia ao amanhecer; talvez a mancha brilhante de um tempo indefinido, longe do presente, distante e ambíguo como o sonho. Talvez apenas as praias da Catalunha, sua casa; talvez apenas o realismo de um mundo que afinal existe, que, embora distante, escapa à tirania do tempo.

Os relógios escorregam como o tempo que flui. Um relógio fechado, coberto por formigas, animais frenéticos, que parecem devorá-lo; trata-se aqui da memória fechada, do tempo morto, devorado, abatido pela vida. Mas a formiga é também o animal da decomposição, da decadência; e o metal do tempo, mesmo que de ouro se trate, torna-se, também ele, vítima dessa decadência. Na zona central do quadro, um relógio que escorrega pelo dorso de uma criatura monstruosa onde se antevê o rosto do próprio Dali; o tempo sobreposto à vida; o tempo dominador implacável, tirano de vidas e seres. Um relógio pendente de uma árvore seca, talvez consumida pelo próprio tempo. E um relógio que escorrega de uma mesa, de uma aresta em ângulo recto, ângulo rigoroso como as horas que nos oprimem.

A ideia do quadro surgiu, segundo Dali, quando meditava sobre a natureza do queijo camembert. De facto, aqueles relógios são macios como o queijo e como o mundo quando sonhado, não vivido. Esta afirmação enquadra-se perfeitamente no espírito do pintor: homem de imaginação sem limites como é próprio de um grande criador. Por outro lado, essa imaginação confunde-se com a dimensão onírica da sua arte; o sonho deforma a realidade e até um queijo pode ser a imagem da solidão, da saudade ou da revolta. O sonho é, talvez, a maior expressão de liberdade do cérebro humano; nessa ocasião em que vagueia sem destino, a nossa mente liberta-se totalmente desse tempo definido e concreto a que chamamos presente.

As formas redondas conferem aos relógios uma simbologia sexual, principalmente o que se encontra ao centro a “cobrir” uma rocha ou um ser monstruoso e que simula o rosto do próprio autor. Esta conotação sensual transmite a ideia de relação entre o prazer e o tempo; o prazer como recusa da memória, como paragem no tempo ou como o seu elemento deformador; o prazer como elemento de eternização do presente.

Este tema relaciona-se também com a descoberta da teoria da relatividade, de Einstein, que ocorreu na época em que Dali pintou este quadro: os relógios deformados remetem para a relatividade do tempo; para a dimensão intemporal, em que o tempo “humano” é relativizado.
Por outro lado, esta era a época de afirmação da psicanálise e de toda a teoria de Freud, que se debruçou sobre a sexualidade humana e a importância dos sonhos. Esta dimensão onírica é uma das pedras de toque de toda a pintura surrealista e de S. Dali em particular.
A nível técnico destaque para a variedade e riqueza de pormenores, bem como para o realismo presente nos vários elementos do quadro.

Salvador Dali I (nota introdutória)

2009-12-07T23:28:00.000Z

Salvador Dali é, consensualmente, o mais perfeito representante do Surrealismo na pintura; este estilo, que obteve grande divulgação na primeira metade do século XX envolveu alguns outros grandes nomes da história da pintura, como Max Ernst e André Breton.

Este pequeno quadro (24/33 cm) datado de 1931, encontra-se no Museu de Arte Moderna (MOMA) de Nova Iorque e consta que foi executado em duas horas pelo grande mestre catalão, amigo pessoal de Pablo Picasso.

Na sua própria definição, Salvador Dali praticava, na sua pintura, o método paranóico-crítico, cultivando a auto-indução de uma espécie de alucinação psicótica. A realidade está para além do visível; só uma perspectiva paranóica poderia fazê-lo ultrapassar essas barreiras do visível. Assim, o real torna-se a verdadeira ilusão, dando origem a uma certa inversão lógica. Desta forma, só uma visão psicótica permitiria aceder a essa surrealidade, esse mundo mais puro e verdadeiro dos sonhos, das emoções livres e por isso mais profundamente humanas. O surrealismo de Dali baseia-se pois na deformação da realidade, tal como a observamos nos sonhos.